Les estampes japonaises, ou ukiyo-e, capturent l'essence même de la culture et de l'histoire du Japon . Traduit littéralement par « images du monde flottant », l'ukiyo-e a prospéré entre le XVIIe et le XIXe siècle, une époque de boom culturel et économique au Japon.

Originaire de Chine , la technique de la xylographie, ou gravure sur bois, est à la base de la création des estampes japonaises. Initialement utilisée dans l'art bouddhique, elle est devenue une forme d'art majeure pendant la période Edo .

Les estampes représentent les beautés éphémères de la vie quotidienne, des paysages époustouflants et des légendes anciennes, devenant ainsi des trésors artistiques intemporels. Leurs détails complexes et leurs couleurs vibrantes ont influencé des artistes du monde entier, de Vincent van Gogh à Claude Monet.

L'art de la gravure sur bois

La gravure sur bois en relief a eu une profonde influence sur le style artistique, privilégiant les contours nets et les couleurs unies. Ce procédé a donné naissance à une forme d'art stylisé , où les formes se sont affinées et les lignes sont devenues d'élégantes arabesques.

Les couleurs, quant à elles, ont joué un rôle crucial dans la création du rythme visuel, la modulation de l'espace et l'accentuation des volumes . Le goût raffiné de la clientèle et le génie créatif des artistes ont permis à cette technique d'évoluer considérablement.

La création d'une estampe était le fruit de la collaboration de quatre experts : l'éditeur, qui orchestrait l'ensemble du processus ; l'artiste, qui réalisait le dessin initial, parfois inspiré par un amateur ou un mécène ; le graveur, qui transposait le dessin sur bois ; et l'imprimeur, qui réalisait l'empreinte finale. Ces estampes étaient ensuite vendues en librairie ou par des marchands ambulants, contribuant ainsi à leur diffusion et à leur popularité.

Aspects importants du processus créatif :

• Le dessin initial est réalisé à l'encre de Chine (sumi)
• Le graveur travaille le bois de cerisier : un bois dur et aux fibres serrées.
• Certaines estampes nécessitaient jusqu'à quinze planches gravées, tant les couleurs étaient variées.
• L'éditeur et l'artiste donnent des indications sur les dégradés de couleurs.

Les formats des estampes japonaises

L'ukiyo-e se décline en plusieurs formats standardisés, chacun ayant ses caractéristiques et son charme uniques. L'orientation des estampes peut être yoko-e (orientation « paysage ») ou tate-e (orientation « portrait »). L'orientation tate-e est la plus courante, sauf dans le format ōban (du moins dans le cas des estampes de paysage fūkei-ga de Hokusai et Hiroshige, qui utilisent principalement des estampes ōban avec une orientation yoko-e).

• Chūban (environ 28 × 20 cm ) : ce format plus petit était souvent utilisé pour des scènes de la vie quotidienne ou des portraits d'acteurs de kabuki. Son utilisation permettait une production de masse plus importante. Suzuki Harunobu utilisait souvent ce petit format.

Voir : Pluie nocturne au stand à double étagère, de la série Huit vues de salon (Zashiki hakkei) de Suzuki Harunobu

• Ōban (environ 37 x 25 cm) : Le format oban est peut-être le plus connu et le plus utilisé pour les paysages et les portraits. Il offre suffisamment d'espace pour les détails tout en restant relativement facile à manipuler.

La Grande Vague d'Hokusai est un Oban en orientation paysage, donc Oban yoko-e

• Aiban (environ 23 x 30 cm) : Format intermédiaire souvent utilisé pour des compositions plus complexes ou des scènes dynamiques nécessitant un équilibre parfait entre l'espace et les détails.

Chaque format a permis aux artistes d’exprimer différents aspects de leur vision artistique, influençant la composition et l’impact visuel de l’œuvre.

Résumé du format

Aiban : 340 x 220 mm
Chûban : 260 x 190 mm
Hashira-e : 730 x 120 mm
Papier kraft : 330 x 145 mm
Dimensions : 515 x 230 mm
Ôban : 380 x 255 mm
Ô-Ôban ou Grand ôban : 580 x 320 mm
Ôtanzaku : 370 x 170 mm
Shikishiban : 230 x 230 mm
Tate-e : impression verticale
Yoko-e : imprimé horizontal

Types d'Ukiyo-e

L'ukiyo-e peut être divisé en plusieurs catégories, chacune représentant un aspect distinct de la société et de la culture japonaises :

Bijin-ga : Estampes de belles femmes, célébrant la grâce et l'élégance des courtisanes, des geishas et des femmes du peuple. Ces œuvres captivaient le public par leur beauté et leur raffinement.

Ce que disent les experts :

Utamaro a élargi le champ d'application des bijin-ga, estampes de belles femmes, en supprimant les contraintes idéalisantes traditionnelles du genre et en plaçant les belles femmes dans le contexte de la vie ordinaire. Parmi les thèmes qu'il a explorés dans cet élargissement de son sujet figurent les activités de la cuisine.

Le Met

Yakusha-e : Portraits d'acteurs de théâtre kabuki, souvent dans des poses et des costumes dramatiques, capturant l'énergie et l'émotion du théâtre traditionnel japonais.

L'un des exemples les plus emblématiques : Ōtani Oniji III dans le rôle du serviteur Edobei de Sharaku

Les yakusha-e de Tōshūsai Sharaku sont légendaires en raison de leur réalisme saisissant, presque exagéré. Contrairement à d'autres artistes qui idéalisent souvent leurs sujets, Sharaku a su capturer l'émotion brute et le caractère des acteurs de kabuki avec des lignes audacieuses et des expressions dramatiques. Sa capacité à transmettre l'intensité et la personnalité de chaque acteur a fait de son travail un travail remarquable. Le détail et la profondeur psychologique de ses portraits apportent un dynamisme sans précédent au monde de l'ukiyo-e. Ses estampes semblent vivantes, presque comme si les acteurs pouvaient sauter du papier sur la scène.

Fukei-ga : Paysages sereins et majestueux, illustrant des vues célèbres du Japon, des montagnes sacrées comme le mont Fuji aux ponts historiques et aux temples tranquilles.

Shunga : Estampes érotiques, un genre plus intime et souvent humoristique, explorant les thèmes de l'amour et du désir.

Kachō-ga ou kachō-e : Représentations d'oiseaux et de fleurs, capturant la beauté éphémère de la nature avec une attention particulière aux détails et à la couleur.

Ohara Koson et Hiroshige sont pour moi les maîtres absolus de ce type d'estampe. Hokusai a également laissé des œuvres remarquables dans ce genre. Ce terme peut être utilisé pour décrire aussi bien des estampes que des livres tels que le Ehon mushi erami peint par Utamaro.

Couleur et évolution des techniques d'impression

L'introduction de la couleur dans les estampes japonaises a marqué une révolution artistique. Au départ, les estampes ukiyo-e étaient principalement monochromes, utilisant la technique du sumizuri-e, qui s'appuyait sur l'encre noire ( le sumi varie du gris au noir profond).

Au milieu du XVIIIe siècle, les artistes ont commencé à expérimenter avec des pigments colorés, donnant naissance au benizuri-e, des impressions teintées de rose et de vert.

Evolution vers Nishiki-e

L'évolution majeure fut l'arrivée du nishiki-e ou « brocart » dans les années 1760, grâce à Suzuki Harunobu . Cette technique permettait d'imprimer plusieurs couleurs en utilisant plusieurs blocs de bois, un pour chaque teinte. Le processus était méticuleux et nécessitait une grande précision pour aligner parfaitement chaque bloc (connu sous le nom de kento) afin d'obtenir une image cohérente et vibrante.

Impact des couleurs

L'utilisation de la couleur a transformé les estampes en œuvres d'art vibrantes et détaillées. Des artistes comme Utamaro et Sharaku ont su mettre en valeur les nuances et les textures émotionnelles dans leurs portraits de femmes et d'acteurs. Les paysages d'Hokusai et Hiroshige ont gagné en profondeur et en réalisme, chaque saison et chaque moment de la journée étant représentés par des palettes spécifiques .

Techniques et Pigments

Les pigments utilisés étaient d'origine minérale, végétale ou animale, et chaque couleur avait une signification culturelle et symbolique :

Indigo (ai) pour la profondeur et la stabilité.

Rouge vermillon (shu) pour la vitalité et la force.

Le jaune (ki) est souvent associé à la lumière et à l'énergie.

L'utilisation de ces couleurs est devenue plus raffinée au fil du temps, les artistes développant des techniques comme le bokashi (dégradé), permettant des transitions subtiles de teintes et ajoutant une dimension supplémentaire de réalisme et de beauté à leurs œuvres.

Shin-hanga : le renouveau de l'estampe japonaise

Shin-hanga, littéralement « nouvelles estampes », est un mouvement artistique qui a émergé au début du XXe siècle, revitalisant la tradition des estampes japonaises.

Ce mouvement combine les techniques classiques de l'ukiyo-e avec des influences occidentales, notamment dans l'utilisation de la perspective et de la lumière. Les artistes du Shin-hanga, tels que Kawase Hasui , Hiroshi Yoshida et Ohara Koson , mettent l'accent sur les paysages, les belles femmes et les scènes de la vie moderne, tout en conservant une esthétique japonaise traditionnelle. Les œuvres du Shin-hanga sont connues pour leur exécution délicate et leur capacité à capturer des moments fugaces avec une grande sensibilité.

Ce renouveau doit beaucoup à la vision et à l’énergie de l’éditeur Watanabe Shozaburo. Au début du XXe siècle, le marché de l’estampe au Japon était en plein déclin, mais il savait que les étrangers commençaient à connaître et à apprécier le travail des artistes japonais. Il souhaitait offrir une vision romantique et idéalisée du Japon, à une époque où le pays subissait des bouleversements qui impactaient des traditions ancestrales.

Le mont Fuji avait évidemment une place particulière dans cette opération pour attirer de potentiels acheteurs étrangers.

Le processus de création d'une estampe japonaise

Créer une estampe japonaise est un processus minutieux et collaboratif, impliquant plusieurs artisans spécialisés :

L'artiste : Tout commence par l'artiste qui réalise un premier dessin sur du papier fin, souvent du washi. Ce dessin maître est ensuite collé sur un bloc de bois.

Le graveur : Le graveur grave le motif dans le bois, en supprimant les parties indésirables et en créant un bloc en relief. Chaque couleur nécessite un bloc de bois différent, donc pour une impression multicolore, plusieurs blocs sont nécessaires.

L'imprimeur : L'imprimeur applique de l'encre sur le bloc de bois gravé et place une feuille de papier washi par-dessus. Il utilise un outil appelé baren pour presser le papier contre le bloc, transférant ainsi l'encre. Ce processus est répété pour chaque couleur, en alignant soigneusement chaque bloc pour créer l'image finale.

L'éditeur : Une fois le tirage terminé, il est souvent vendu par un éditeur spécialisé, qui joue un rôle clé dans la promotion et la vulgarisation des œuvres.

Œuvres remarquables d'artistes renommés

Katsushika Hokusai :

La grande vague de Kanagawa : cette estampe emblématique fait partie de la série « Trente-six vues du mont Fuji ». La force de la nature est capturée avec une intensité remarquable, les vagues menaçantes contrastant avec le calme du mont Fuji à l'horizon.

Les Mangas d'Hokusai (北斎漫画, « Esquisses d'Hokusai ») offrent de merveilleux exemples de la polyvalence du maître à travers les paysages, la faune, la flore et le monde spirituel.

Manga Hokusai tomes 8, 9 et 10 sur Gallica

Utagawa Hiroshige :

Les cinquante-trois stations du Tōkaidō : Hiroshige a créé une série de paysages illustrant les stations le long de la route du Tōkaidō, reliant Edo (Tokyo) à Kyoto. Ses œuvres, comme « Averse soudaine sur le pont Shin-Ōhashi et Atake », témoignent d'une maîtrise inégalée de l'atmosphère et du mouvement.

Rizières d'Asakusa et festival Torinomachi :

Dans la représentation qu'Hiroshige fait du quartier des plaisirs de Yoshiwara pendant sa journée la plus animée, l'artiste contraste les festivités animées en contrebas avec une vue sereine depuis l'étage supérieur d'un bordel. Alors que le cortège du festival de Torinomachi traverse les lointaines rizières d'Asakusa, l'atmosphère de la pièce est calme, ponctuée uniquement par les effets personnels de la courtisane. Ces objets délicats, notamment le papier de soie discrètement appelé « papier pour l'acte honorable », symbolisent l'imbrication personnelle et commerciale de la vie de la courtisane au milieu du spectacle public du festival.

Reposant sur le rebord d'une fenêtre, un chat blanc regarde à travers une fenêtre grillagée les rizières d'Asakusa en contrebas. Une volée d'oiseaux descend vers le mont Fuji au sud-ouest et une longue ligne de procession festive s'étend à travers les rizières. C'est ici que se trouve le sanctuaire d'Otori, vénéré en particulier par la classe populaire à l'époque d'Edo pour ses faveurs commerciales et sa fortune, et célébré en commun lors du festival de Torinomachi en novembre.

Vente aux enchères de Christie's

Ohara Koson :

Mésange sur une branche de paulownia . Spécialiste du kachō-ga, Koson a su capturer la délicatesse des fleurs et la présence majestueuse des oiseaux, créant des imprimés emplis de poésie et de détails.

Impression haute définition ici

Kawase Hasui :

Journée de neige au Zojo-ji : Représentant du mouvement shin-hanga, Hasui a modernisé l'ukiyo-e avec une approche renouvelée des paysages, mettant l'accent sur les effets de lumière et les changements saisonniers.

Disponible en haute définition

Kawanabe Kyosai :

Fantasmes et caricatures : Kyosai se distingue par ses œuvres satiriques et ses gravures de créatures fantastiques. Sa capacité à mêler humour, critique sociale et imagination débordante le rend unique dans le monde de l'ukiyo-e.

Kawanabe Kyosai, Croquis animalier avec grenouille shintoïste :*

Tsukioka Yoshitoshi

Minamoto no Yorimitsu coupe l'araignée terrestre

Utagawa Kuniyoshi

Jeux de pieuvre

Chacune de ces catégories et de ces œuvres illustre la diversité et la richesse des estampes japonaises. Les ukiyo-e sont plus que de simples images ; ce sont des fenêtres ouvertes sur l'âme du Japon, reflétant à la fois la splendeur et la simplicité de la vie.