Kawase Hasui — Le poète japonais de la neige, de la pluie et de la solitude (1883–1957)
Kawase Hasui
Graveur, voyageur, Trésor national vivant · Tokyo, 1883–1957
Une silhouette solitaire traverse la cour enneigée d'un temple. Le ciel est d'un indigo profond. Le seul bruit qui semble exister, c'est le silence de la neige qui tombe. Tel est le monde de Kawase Hasui — un Japon d'un calme extraordinaire, de lumières se reflétant sur des pavés mouillés, de lune se levant sur un port de pêche, de lanternes se mirant dans une rivière noire. Un monde qui n'a jamais tout à fait existé tel qu'il l'a peint — et c'est précisément pourquoi il demeure.
Hasui fut le plus grand paysagiste du mouvement shin-hanga — le grand renouveau de l'estampe japonaise au début du XXe siècle — et l'un des artistes japonais les plus aimés de toutes les époques. En 1956, un an avant sa mort, le gouvernement japonais le sacra Trésor national vivant. Il produisit plus de 600 maquettes d'estampes en quatre décennies de voyages, d'observations et de perfectionnement incessants. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées au Metropolitan Museum of Art, au British Museum, au Smithsonian et dans les plus grandes collections du monde. Elles ornent aussi, reproduites avec une fidélité muséale, des murs à Tokyo, Paris, New York et São Paulo. Leur pouvoir de transport n'a pas pris une ride.
Fils de marchand, artiste malgré tout
Kawase Hasui naquit Kawase Bunjiro le 18 mai 1883 dans le quartier Shiba de Tokyo, dans une famille de marchands — son père vendait de la corde et du fil. Le nom Hasui, qui signifie « eau jaillissant d'une source », lui fut donné plus tard par son maître Kiyokata Kaburagi. Dès l'enfance, il montrait un don exceptionnel pour le dessin, mais sa famille l'orientait fermement vers le commerce. Pendant des années, il géra l'entreprise familiale tout en croquant la nature en cachette, vivant une double vie d'artiste clandestin sous l'apparence d'un fils de marchand obéissant.
Lorsque l'entreprise fit faillite au début des années 1900, Hasui fut enfin libre. Il avait déjà la vingtaine avancée — un âge auquel Kiyokata Kaburagi, le grand peintre nihonga qu'il cherchait à rejoindre, l'estima d'abord trop vieux pour commencer un apprentissage sérieux. Kaburagi finit par accepter, et c'est par lui qu'Hasui rencontra l'éditeur qui allait définir toute son œuvre : Watanabe Shozaburo, la force motrice derrière l'ensemble du mouvement shin-hanga.
C'est Kaburagi qui nota le premier chez son élève la qualité qui allait caractériser ses plus grandes œuvres : une sensibilité extraordinaire à l'atmosphère, à la qualité spécifique de la lumière à une heure précise d'une saison précise. Hasui ne peignait pas des paysages génériques. Il peignait des instants particuliers — un crépuscule dont il avait été témoin, une chute de neige dans laquelle il s'était trouvé, un reflet qu'il s'était penché pour observer.
La révolution shin-hanga
Pour comprendre Hasui, il faut comprendre le shin-hanga — le mouvement des « nouvelles estampes » que Watanabe Shozaburo fonda dans les années 1910 et défendit jusqu'à sa mort en 1962. Le shin-hanga naquit de la conviction que la grande tradition de l'estampe japonaise sur bois, qui avait produit Hokusai et Hiroshige au XIXe siècle, avait sombré dans une médiocrité commerciale. Watanabe entreprit de la ressusciter — en la fusionnant avec ce qui était nouveau.
Ce qui était nouveau, c'était l'influence occidentale : l'usage du clair-obscur, le rendu de la perspective atmosphérique, la suggestion de la profondeur par la gradation tonale plutôt que par la couleur plate et le contour. Hasui apporta à cette synthèse sa propre formation en peinture occidentale — huile et aquarelle — et sa capacité à rendre la lumière d'une façon sans précédent dans l'ukiyo-e classique. Ses scènes nocturnes en particulier sont techniquement stupéfiantes : la gradation d'un indigo profond en haut de l'estampe à un reflet pâle sur l'eau en bas, obtenue par la superposition de multiples blocs de bois, exigeait des graveurs et imprimeurs de Watanabe un niveau d'artisanat exceptionnel.
Comme tous les artistes du shin-hanga, Hasui concevait ses estampes sans tailler lui-même les blocs ni les imprimer — ce travail revenait à l'équipe d'artisans spécialisés de Watanabe. La collaboration était étroite et exigeante : Hasui était présent pendant la production, corrigeait les épreuves, ajustait les couleurs, poussait les artisans à réaliser ce qu'il avait imaginé. Le résultat : des estampes d'un raffinement qui rivalise avec tout ce que l'histoire du medium a produit.
Le voyageur : 600 estampes, un seul pays
La méthode d'Hasui était simple et sans relâche : il voyageait. Carnets sous le bras, il parcourait le Japon du Hokkaido au nord jusqu'à Kyushu au sud, de la côte Pacifique à la mer du Japon, notant au crayon et à l'aquarelle tout ce qui retenait son attention : l'angle d'un toit de temple dans la lumière hivernale, la surface d'un canal au crépuscule, la forme particulière d'une montagne vue dans le brouillard du matin. Il voyageait toutes saisons et par tous les temps, cherchant délibérément les conditions — neige épaisse, pluie battante, brume dense — que d'autres artistes évitaient.
Sa collaboration avec Watanabe produisit plus de 600 maquettes d'estampes — un corpus qui constitue un portrait soutenu du Japon à travers quatre décennies de changements rapides et souvent tumultueux. Le Japon d'Hasui est, délibérément, un Japon de la tradition : architecture en bois, ruelles étroites, barques de pêcheurs, sanctuaires anciens, pierres couvertes de mousse. Les scènes industrielles en sont presque entièrement absentes. Des critiques ont parfois soutenu que cela représentait une idéalisation nostalgique — une image du Japon construite en partie pour les collectionneurs occidentaux auxquels Watanabe commercialisait agressivement le shin-hanga. La critique a du fond. Mais ce qui est indéniable, c'est la qualité artistique : aucun autre artiste de la période ne captua l'atmosphère émotionnelle du paysage japonais avec une constance et une profondeur comparables.
Pertes, résilience et une dernière œuvre maîtresse
La vie d'Hasui fut marquée par des pertes catastrophiques — deux fois. Le grand séisme du Kanto de septembre 1923 détruisit à la fois son domicile et l'atelier de Watanabe, ainsi que les blocs de toutes ses estampes d'avant le séisme. Ces maquettes des premières années — considérées par beaucoup comme incluant son travail le plus original et le plus expressif — ne furent jamais réimprimées. Elles ne survivent qu'en premières éditions, aujourd'hui parmi les estampes shin-hanga les plus rares et les plus recherchées du marché.
Vingt ans plus tard, les bombardements incendiaires de Tokyo en 1945 détruisirent son foyer une seconde fois. À travers ces deux catastrophes, Hasui se reconstruisit — non seulement matériellement, mais artistiquement. Son œuvre d'après-guerre, produite dans ses soixante et soixante-dix ans, ne montre aucun affaiblissement de la vision. Sa dernière estampe, La Salle de la Lueur Dorée à Hiraizumi, fut achevée après sa mort et distribuée lors de sa cérémonie commémorative en 1958. C'est, à tous égards, un chef-d'œuvre.
Où voir son œuvre aujourd'hui
Des estampes originales de Kawase Hasui sont conservées dans de grandes collections mondiales, notamment au Metropolitan Museum of Art (New York), au Smithsonian (Washington D.C.), au British Museum (Londres), au Museum of Fine Arts (Boston), au Clark Art Institute (Williamstown) et au Tokyo National Museum. Ses estampes originales passent régulièrement en vente chez Christie's, Sotheby's et Bonhams, les premières éditions d'avant le séisme atteignant les prix les plus élevés.
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