Albrecht Dürer — Le génie qui a inventé l'artiste moderne (1471–1528)
L'homme qui fit de la gravure un art
Avant Albrecht Dürer, la gravure était un artisanat — un moyen de multiplier les images à bon marché et rapidement pour la consommation populaire. Après lui, c'était une forme d'art capable d'exprimer le contenu intellectuel et émotionnel le plus complexe de l'histoire de la culture européenne. Ce changement se produisit sur une période d'environ vingt ans, produit par un seul homme travaillant dans l'atelier d'un orfèvre à Nuremberg.
Dürer naquit en 1471, troisième fils d'un orfèvre hongrois qui s'était établi à Nuremberg. Il se forma comme orfèvre avant d'entrer en apprentissage chez un artiste graveur sur bois, et les deux métiers marquent son œuvre : la précision de l'orfèvre, la compréhension de la ligne et de la masse du graveur sur bois. Lors de son premier voyage en Italie en 1494, il rencontra la Renaissance italienne en plein épanouissement — la perspective mathématique de Piero della Francesca, la grâce figurative de Bellini, le nouvel humanisme qui transformait la peinture européenne — et le rapporta en Allemagne transformé en quelque chose d'entièrement personnel.
Les trois gravures maîtresses
Entre 1513 et 1514, en deux années consécutives, Dürer produisit trois gravures en cuivre qui représentent le sommet de la gravure de la Renaissance et certaines des images les plus discutées de l'histoire de l'art européen : Le Chevalier, la Mort et le Diable ; Saint Jérôme dans sa cellule ; et Melencolia I.
Le Chevalier, la Mort et le Diable représente un chevalier monté chevauchant dans un défilé sombre, accompagné de la figure squelettique de la Mort tenant un sablier et d'un Diable grotesque. Le cheval est magnifique — modelé d'après les études de Dürer sur des figures équestres anatomiquement parfaites — et le visage du chevalier est impassible, fixé sur un objectif hors cadre. C'est une image de résolution morale qui a été interprétée comme tout, de la fermeté luthérienne au stoïcisme séculier.
Melencolia I montre une figure ailée de genre ambigu entourée des instruments de la géométrie, de la construction et de la mesure, regardant dans le lointain avec un regard fixe et mélancolique. Le compas, le polyèdre, le carré magique, la sphère, les balances, le sablier — ce sont les outils du travail intellectuel, et l'inaction de la figure au milieu d'eux a généré cinq siècles de commentaires sur le génie, la frustration et les limites de la connaissance humaine.
L'Apocalypse et le Rhinocéros
Les gravures sur bois de Dürer sont aussi remarquables que ses gravures en cuivre, et à certains égards plus accessibles : leur grande échelle et leur trait audacieux les rendent immédiatement lisibles d'une façon que la gamme tonale subtile des gravures en cuivre exige une attention plus soutenue.
La série de l'Apocalypse de 1498 — quinze grandes gravures sur bois représentant les visions de saint Jean — établit sa réputation européenne à l'âge de 27 ans. Les quatre cavaliers, l'ouverture des sept sceaux, la femme vêtue du soleil : ces images définirent le vocabulaire visuel de l'art apocalyptique pour les quatre siècles suivants.
Le Rhinocéros de 1515, basé sur une description écrite et un croquis d'un rhinocéros indien apporté à Lisbonne comme cadeau pour le roi du Portugal, est peut-être l'illustration zoologique la plus influente jamais réalisée. Dürer n'avait jamais vu de rhinocéros. Il inventa l'animal — ajoutant une corne d'épaule imaginaire, couvrant la peau de plaques superposées ressemblant à une armure — et son invention fut tellement reproduite qu'elle définit l'image européenne du rhinocéros pendant plus de deux siècles.
Collections et héritage
L'œuvre de Dürer est conservée dans pratiquement toutes les grandes collections de gravures du monde. L'Albertina à Vienne détient la plus grande collection individuelle de ses dessins, dont le célèbre Jeune Lièvre de 1502. Le Germanisches Nationalmuseum à Nuremberg détient la collection la plus complète de ses gravures. Des collections importantes se trouvent également au British Museum, au Metropolitan Museum of Art, à la Bibliothèque nationale de France et aux Offices.
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