Ohara Koson

Maître du kachō-e · Kanazawa / Tokyo, 1877–1945

Un héron se tient immobile sous la neige qui tombe, une patte levée, son plumage blanc à peine distinguable des flocons qui l'entourent. Un corbeau se pose sur une branche givrée, sa forme noire électrique contre un ciel hivernal pâle. Un martin-pêcheur plane au-dessus d'une eau immobile, le flou de ses ailes rendu en une douzaine de traits aussi fins que des cheveux. Ce sont les instants qu'Ohara Koson a passé sa vie à capturer — des éclats fugitifs du monde naturel, observés avec une patience et une précision qui confinent au dévotionnel.

Ohara Koson est le maître incontesté du kachō-e — cet art japonais plusieurs fois centenaire de l'estampe d'oiseaux et de fleurs — et l'un des artistes les plus prolifiques du mouvement shin-hanga. En une carrière de cinq décennies, il produisit environ 500 maquettes d'estampes sur bois qui se vendirent par dizaines de milliers aux États-Unis et en Europe, tout en restant quasi inconnu dans son propre pays jusqu'à des décennies après sa mort. Aujourd'hui ses estampes comptent parmi les plus recherchées du monde de l'art japonais, collectionnées par des institutions allant du Rijksmuseum au Metropolitan Museum of Art, et aimées de quiconque s'est jamais arrêté pour regarder un moineau sur une branche d'hiver.

Trois noms, une seule vision

Ohara Koson naquit Ohara Matao le 9 février 1877 à Kanazawa, ville de la préfecture d'Ishikawa sur la côte de la mer du Japon, longtemps réputée comme centre des arts et artisanats traditionnels. Il étudia la peinture et le dessin à l'école technique de la préfecture d'Ishikawa avant de s'installer à Tokyo au milieu des années 1890, où il se forma sous la direction du peintre Suzuki Kason — dont il emprunta son premier nom artistique.

Au cours de sa carrière, Koson utilisa trois signatures artistiques distinctes, chacune associée à un éditeur et une période différents : Koson (ses débuts avec Kokkeido et Daikokuya), Shoson (sa période de maturité prolific, quand il revint à l'estampe après des années consacrées à la peinture), et Hoson (ses travaux ultérieurs avec l'éditeur Kawaguchi). Collectionneurs et historiens de l'art utilisent ces trois noms de façon interchangeable ; ils désignent tous le même artiste, la même vision, la même main inimitable.

Cette multiplicité de noms a compliqué le catalogue de son œuvre — et ajouté à la mystère d'un artiste dont on connaît relativement peu de détails biographiques. Contrairement à Kawase Hasui, qui tenait des journaux de voyage détaillés et entretenait une large correspondance, Koson a laissé peu de documents personnels. Ce qu'il a laissé à la place, ce sont ses estampes : 500 fenêtres ouvertes sur un monde naturel observé avec une attention extraordinaire.

L'art du kachō-e : la nature comme pratique spirituelle

Le kachō-e — littéralement « images d'oiseaux et de fleurs » — est l'un des genres les plus anciens de l'art est-asiatique, avec des racines dans la peinture chinoise de la dynastie Tang et une tradition continue au Japon depuis l'époque Heian jusqu'à nos jours. En son cœur réside une idée simple mais profonde : que le monde naturel — une grue, une pivoine, une branche de prunier hivernal — est digne de l'attention artistique la plus soutenue et la plus dévouée. Que regarder attentivement un rouge-gorge dans la neige est en soi une forme de méditation.

Koson apporta à cette tradition la sensibilité d'un peintre et la maîtrise technique d'un graveur. Sa formation initiale en nihonga (peinture japonaise traditionnelle) lui conféra une compréhension de la composition et du tracé au pinceau qui se traduisit directement dans la façon dont il concevait ses estampes : la disposition d'un seul oiseau sur une branche, l'équilibre entre espace vide et détail, le choix de l'instant précis du mouvement d'une créature à immortaliser. Ses estampes ont souvent été décrites comme des « peintures imprimées » — les graveurs et imprimeurs qui réalisaient ses maquettes atteignaient une qualité de trait et de lavis quasi indiscernable du travail au pinceau.

Ce qui distinguait Koson des maîtres du kachō-e qui l'avaient précédé, c'était sa synthèse entre tradition orientale et naturalisme occidental. Ses oiseaux ne sont pas des symboles comme dans la peinture chinoise classique — ce sont des créatures individuelles, saisies dans des postures spécifiques, leur plumage rendu plume après plume. Un aigrette de Koson est reconnaissable comme telle : on peut identifier l'espèce, lire la tension dans son cou, ressentir le froid de l'air qui l'entoure. Cette fusion d'observation scientifique et d'atmosphère poétique captiva précisément les collectionneurs occidentaux, qui découvraient ses estampes comme quelque chose à la fois étranger et étrangement familier — aussi belles qu'une planche d'Audubon, mais d'une tout autre température émotionnelle.

Prophète à l'étranger, inconnu chez lui

Les estampes de Koson furent conçues, dès le début de sa carrière, principalement pour l'exportation. Son premier éditeur, Matsuki Heikichi de Daikokuya, lui fut présenté par Ernest Fenollosa — l'érudit américain et ardent défenseur de l'art japonais traditionnel qui passa des années à Tokyo à convaincre les artistes japonais de ne pas abandonner leurs propres traditions dans la ruée vers l'occidentalisation. Fenollosa vit dans les estampes de nature de Koson exactement le type d'œuvre qui trouverait un public réceptif en Amérique et en Europe : techniquement raffiné, visuellement accessible, ancré dans une esthétique japonaise entièrement différente de tout ce qui existait en art occidental.

La stratégie fonctionna de façon spectaculaire. Dans les années 1910 et 1920, les estampes de Koson se vendaient partout aux États-Unis — dans les grands magasins, les galeries et les catalogues de vente par correspondance. Ses œuvres furent exposées au Toledo Museum of Art, au Brooklyn Museum et au Minneapolis Institute of Art. La classe moyenne américaine accrochait ses hérons et ses moineaux dans ses salons, attirée par la même combinaison de beauté décorative et de retenue émotionnelle qui rend ses estampes si saisissantes aujourd'hui.

Au Japon, paradoxalement, il était à peine remarqué. Son travail était considéré comme commercial, conçu pour les goûts étrangers, en dehors du cercle des artistes produisant des estampes pour le marché intérieur japonais. Ce n'est qu'dans les années 1970 — près de trois décennies après sa mort à Tokyo en 1945 — que les chercheurs et collectionneurs japonais commencèrent à reconnaître l'ampleur de ce qu'il avait accompli. La découverte d'esquisses originales, de peintures et de documents de référence dans les années 1990 déclencha une réévaluation savante complète. Aujourd'hui il est reconnu au Japon comme l'un des grands artistes du XXe siècle. Le Rijksmuseum lui consacra une grande exposition en 2001.

Les années Watanabe : le shin-hanga à son apogée

En 1926, dans la foulée des ravages du grand séisme du Kanto trois ans plus tôt, Koson entama sa collaboration la plus célébrée : avec l'éditeur Watanabe Shozaburo, l'architecte de tout le mouvement shin-hanga. Sous le label Watanabe — en signant son travail Shoson — Koson produisit plus de 450 maquettes dans les dernières décennies de sa carrière, dont beaucoup comptent parmi ses plus belles œuvres.

Les estampes Watanabe révèlent une légère évolution dans l'esthétique de Koson : les couleurs sont plus vives et plus claires que dans ses travaux antérieurs, les compositions plus graphiques, l'impact émotionnel plus immédiat. Ses scènes de neige de cette période — aigrettes dans les blizzards, moineaux blottis sur du bambou alourdi par la glace, corbeaux recroquevillés sur des toits enneigés — comptent parmi les images les plus admirées de toute l'histoire de l'estampe japonaise. Ce sont des estampes qui semblent contenir le froid : on le ressent sur sa peau en les regardant.

Où voir son œuvre aujourd'hui

Des estampes originales d'Ohara Koson sont conservées dans de grandes collections mondiales, notamment au Rijksmuseum (Amsterdam), au Metropolitan Museum of Art (New York), au Museum of Fine Arts (Boston), au Brooklyn Museum, au Minneapolis Institute of Art et au Toledo Museum of Art. La collection Jan Perree, cataloguée dans la publication de référence du Rijksmuseum de 2001, Crows, Cranes & Camellias, reste la référence savante définitive sur son œuvre.

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